Los grandes teatros de ópera del mundo: arquitectura, memoria y escenario vivo

La Scala se construyó después de que el Teatro Ducal de Milán ardiera en 1776. La nueva sala, diseñada por Giuseppe Piermarini y financiada por propietarios de palcos del antiguo teatro, abrió el 3 de agosto de 1778 con L’Europa riconosciuta, de Antonio Salieri. Su nombre procedía de la iglesia de Santa Maria alla Scala, que había ocupado el solar. Ese origen resume la superposición de la historia teatral europea: usos sagrados, aristocráticos, comerciales y cívicos comprimidos en un mismo suelo urbano.

El exterior es mesurado, no ostentoso. Su pórtico permitía antiguamente que los carruajes llegaran a cubierto, mientras la fachada participa en la plaza sin dominarla. Dentro, el auditorio en herradura concentra la atención mediante pisos superpuestos y un fuerte contraste de rojo, crema y dorado. Los palcos conservan la memoria de un mundo social en el que los patrocinadores ocupaban habitaciones semiprivadas. Hoy siguen siendo arquitectónicamente importantes, aunque el acontecimiento artístico sobre el escenario se ha convertido en la principal reivindicación pública de la institución.

La autoridad de La Scala procede de algo más que su antigüedad. Fue un teatro decisivo para la ópera italiana, especialmente a través de las obras de Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi y compositores posteriores. Estrenos, reposiciones y funciones célebres se acumularon hasta crear una cultura de expectativas que puede resultar tan electrizante como implacable. A menudo se mitifica al público como tribunal, pero el punto profundo es que aquí cada función se escucha frente a una memoria densa de interpretaciones anteriores. Cantantes y directores entran en una conversación mayor que una sola noche.

Por eso, la visita no debería tratar la sala como fondo de lujo. El museo y una visita guiada aclaran arquitectura, retratos e historia institucional, pero una función revela la escala real del edificio: la orquesta en el foso, las voces atravesando el auditorio, la escenografía moviéndose tras el proscenio y el público respondiendo en tiempo real. La historia oficial ofrece una base útil; el programa actual muestra cómo La Scala sigue equilibrando el canon italiano, repertorio internacional, ballet y nuevas producciones.

El Metropolitan Opera comenzó en 1883 en Broadway con la calle 39. Aquel primer edificio acumuló leyenda, pero sus estrechos bastidores, la falta de salas de ensayo y los sistemas anticuados obstaculizaban cada vez más el trabajo de la compañía. Planificar un sustituto llevó décadas. Cuando la nueva sede abrió en el Lincoln Center el 16 de septiembre de 1966, representó no solo un cambio de dirección, sino la convicción de que Estados Unidos necesitaba un complejo cultural a la altura de sus ambiciones de posguerra.

El diseño de Wallace K. Harrison se anuncia mediante cinco arcos orientados a la plaza. Detrás, el vestíbulo se eleva como un generoso interior público, animado por lámparas y grandes obras de Marc Chagall. La posición axial del edificio dentro del Lincoln Center concede a la llegada una amplitud ceremonial muy distinta de las calles comprimidas alrededor de numerosos teatros europeos. Esa monumentalidad puede resultar emocionante o impersonal, pero enmarca inequívocamente la ópera como un gran acontecimiento cívico.

El escenario y los espacios auxiliares transformaron lo que la compañía podía montar. Grandes títulos de repertorio, escenografías complejas y un calendario exigente requieren almacenes, talleres, salas de ensayo y rápidos cambios técnicos. El edificio se concibió para resolver la falta crónica de espacio del antiguo Met, aunque la escala plantea su propio desafío artístico: los cantantes deben proyectar carácter y lenguaje por una sala mucho mayor que un teatro de corte íntimo. Las mejores funciones convierten esa distancia en grandeza sin perder detalle humano.

Para el visitante, el Met resulta más gratificante si se aborda como institución de repertorio en funcionamiento y no como vestíbulo famoso. Una visita entre bastidores, cuando está disponible, muestra la logística necesaria para rotar producciones. Una función da sentido a las proporciones del auditorio y al sonido de la orquesta. La plaza también importa: el público de ópera, ballet, conciertos, retransmisiones cinematográficas e instituciones cercanas cruza el mismo espacio, reforzando la idea original del Lincoln Center como campus cultural urbano interconectado.

El teatro de la corte en la Ringstrasse de Viena abrió el 25 de mayo de 1869 con Don Giovanni, de Mozart. Diseñado por August Sicard von Sicardsburg y Eduard van der Nüll, formaba parte de la enorme transformación de la capital imperial en el siglo XIX. Su recepción inicial fue problemática, pero el edificio acabó siendo inseparable de la identidad musical vienesa. Bajo la dirección de Gustav Mahler a finales del XIX y principios del XX, la disciplina escénica, el nivel del conjunto y la coherencia visual ayudaron a definir una concepción moderna de la representación operística.

Esa historia no puede contarse solo como triunfo artístico. Tras la toma del poder nazi en 1938, artistas y empleados judíos o políticamente señalados fueron perseguidos y expulsados. La historia oficial de la institución aborda hoy directamente esas consecuencias. En 1945, los bombardeos y un incendio destruyeron buena parte del edificio; sobrevivieron la fachada, la escalera principal y el Schwind Foyer, mientras que el auditorio y el escenario tuvieron que reconstruirse. Durante la década de obras, las funciones continuaron en otros recintos.

La reapertura del 5 de noviembre de 1955 con Fidelio, de Beethoven, se retransmitió como símbolo de la renovación austríaca de posguerra. Sin embargo, el edificio reconstruido no es una réplica sencilla. Conviven capas históricas y modernas: los espacios ceremoniales conservados conducen a un auditorio y una infraestructura técnica de mediados del siglo XX. Esa combinación forma parte de la experiencia. Muestra que el patrimonio puede depender de una supervivencia selectiva, de obra nueva y de los relatos que una sociedad decide asociar a la restauración.

La identidad de la Ópera Estatal también se apoya en la densidad del repertorio. Durante una temporada pueden presentarse muchas obras, respaldadas por una orquesta estrechamente vinculada a la Filarmónica de Viena, un conjunto estable y una gran capacidad de producción. Para el visitante, la mejor opción no es necesariamente el título más famoso. Una obra desconocida o una reposición puede mostrar la fortaleza cotidiana de la institución. Las visitas explican la arquitectura, pero una función comunica su principal logro: una continuidad creada mediante el uso repetido y disciplinado.

Encargado durante el gobierno de Napoleón III y diseñado por Charles Garnier, el nuevo teatro de ópera parisino surgió de la transformación de la capital asociada al Segundo Imperio. Se inauguró el 5 de enero de 1875, después de la caída de aquel régimen, pero conservó las ambiciones políticas y urbanas de su origen. El exterior combina referencias clásicas, barrocas y renacentistas en una composición escultórica densa. Estaba pensado para leerse a escala urbana, llegar a él por nuevas avenidas y reconocerlo como monumento de la cultura estatal.

Dentro, la circulación se convierte en teatro. La Gran Escalera ofrece múltiples puntos de vista y permite que los espectadores se observen entre rellanos y balcones. Los foyers prolongan esa coreografía social mediante espejos, dorados, techos pintados y largas perspectivas. Estas salas exponen la relación histórica entre ópera y exhibición: asistir señalaba estatus, la ropa comunicaba rango y el intermedio podía competir con la función como espacio de observación. La arquitectura es magnífica precisamente porque fue diseñada para organizar el poder además del placer.

El auditorio resulta relativamente íntimo dentro de la inmensa envoltura ceremonial del edificio. Sus superficies rojas y doradas y su forma de herradura concentran la atención en el escenario, mientras que el techo del siglo XX de Marc Chagall introduce una capa moderna y vibrante bajo la gran araña central. El Palais Garnier forma hoy parte de la Ópera de París junto a la Ópera de la Bastilla. El ballet tiene una presencia especialmente fuerte, aunque la ópera, los conciertos y otros actos siguen dando vida a la sede histórica.

Los visitantes diurnos pueden recorrer muchos de los espacios célebres sin asistir a una función, algo poco habitual en un teatro en activo. Aun así, el Palais Garnier no debería reducirse a un escenario extravagante para fotografías ni a la mitología literaria de El fantasma de la ópera. Su importancia profunda reside en el diseño total: fachada, vestíbulos, escalera, foyers, auditorio y sistemas escénicos forman un argumento sobre cómo entra la cultura en la vida pública. Una visita atenta sigue despacio esa secuencia y observa dónde la actividad moderna la interrumpe, adapta o preserva.

El actual Teatro Colón abrió el 25 de mayo de 1908 con Aida, después de un proceso de construcción largo y complejo. Sustituyó a un Colón anterior que había funcionado entre 1857 y 1888. En el nuevo edificio trabajaron varios arquitectos, entre ellos Francesco Tamburini, Víctor Meano y Jules Dormal. Su arquitectura ecléctica reflejaba una Buenos Aires en la que riqueza, inmigración y expansión urbana animaban a la ciudad a imaginarse en diálogo directo con las capitales europeas.

El auditorio principal es famoso por la claridad y riqueza de su sonido, favorecidas por la forma de herradura, los balcones superpuestos y un volumen cuidadosamente proporcionado. Sin embargo, la reputación acústica no debe ocultar las cualidades visuales y sociales de la sala: ornamentación cálida, un techo amplio y una fuerte relación entre público y escenario. La gran acústica se experimenta en una función, no mediante una afirmación silenciosa, y el carácter de la sala cambia según las voces, la plantilla orquestal y el lugar del asiento.

Lo que más distingue institucionalmente al Colón es su capacidad de producción. Desde el siglo XX, a los cuerpos permanentes de orquesta, coro y ballet se sumaron talleres especializados y departamentos técnicos. Escenografías, vestuario, utilería, pelucas, calzado y efectos no son oficios periféricos, sino formas centrales de conocimiento. La historia del teatro es también una historia laboral, sostenida por artesanos y técnicos cuyo trabajo convierte las ideas artísticas en mundos físicos.

Una visita guiada puede mostrar las salas ceremoniales y explicar la restauración, pero conviene buscar una interpretación que incluya el sistema de producción y no se limite a nombres célebres. El Colón ha recibido a grandes cantantes, bailarines y directores, aunque su importancia cultural en Argentina también procede de la formación, la programación pública y la continuidad de sus conjuntos estables. Es a la vez un referente internacional y una institución local cuyo significado depende de cómo Buenos Aires siga utilizándolo.

El lugar conocido como Bennelong Point es Tubowgule, espacio de reunión y ceremonia para los pueblos aborígenes mucho antes de la construcción de la ópera. Esta historia importa porque a menudo se cuenta como si un promontorio vacío hubiera adquirido de repente significado cultural gracias a la arquitectura moderna. La Ópera de Sídney reconoce hoy una continuidad más larga de representación y encuentro, y la programación de las Primeras Naciones ayuda a cuestionar el viejo relato de un monumento que comienza únicamente con un concurso de diseño.

El arquitecto danés Jørn Utzon ganó aquel concurso internacional con unos dibujos cuyas cubiertas resultaban fascinantes pero todavía no estaban resueltas técnicamente. La construcción comenzó en 1959. El avance conocido como «solución esférica» permitió obtener los segmentos de las conchas a partir de una geometría común y hacer viable su fabricación. Sin embargo, aumentaron los costes y se agudizaron las disputas políticas y de diseño. Utzon abandonó el proyecto en 1966, y el arquitecto australiano Peter Hall dirigió la terminación de los interiores. El edificio abrió en 1973.

Vistas desde el otro lado del puerto, las conchas dominan la percepción, pero el complejo alberga varios espacios de representación y no un único teatro de ópera convencional. Esa multiplicidad explica tanto su alcance cultural como algunos de sus problemas funcionales históricos. Las salas, concebidas mientras cambiaban los encargos, han necesitado importantes renovaciones para mejorar acústica, accesibilidad, circulación entre bastidores e instalaciones para el público. Conservar aquí significa proteger la fuerza de la idea arquitectónica de Utzon y permitir al mismo tiempo que el edificio funcione para artistas y públicos actuales.

La mejor visita conecta exterior e interior. Recorre el podio para observar cómo se solapan las conchas, cómo los azulejos captan la luz cambiante y cómo la estructura se encuentra con el agua. Después asiste a una función o realiza una visita que explique la ingeniería y la conflictiva historia del diseño. La ópera es famosa porque se fotografía de manera extraordinaria, pero gana interés cuando la imagen abre preguntas sobre autoría, inversión pública, lugar indígena y el trabajo continuo necesario para mantener vivo un icono.

La Fenice abrió el 16 de mayo de 1792, y su nombre ya evocaba la recuperación de una compañía predecesora tras una pérdida. La cultura teatral veneciana dependía de solares urbanos compactos, vías acuáticas, empresa privada y un público sofisticado para la ópera. La nueva sala se convirtió en un importante escenario para obras de Rossini, Bellini, Donizetti y Verdi, entre otros. Su historia de estrenos demuestra que nunca fue simplemente un salón hermoso, sino un lugar donde se formaba el propio repertorio.

El fuego ha definido la memoria pública del edificio. Un incendio en 1836 condujo a una rápida reconstrucción. Otro, provocado y devastador, destruyó en 1996 el auditorio y gran parte de la estructura, obligando a la institución a actuar en otros lugares mientras Venecia debatía cómo debía regresar el teatro. La reconstrucción siguió el principio resumido con frecuencia como «donde estaba, como era» y reabrió en 2003. La frase sugiere continuidad, pero toda reconstrucción después de una pérdida total combina necesariamente documentación, materiales nuevos, normas modernas e interpretación.

El interior restaurado recrea la ornamentación estratificada del auditorio del siglo XIX; palcos, decoración y color producen una atmósfera de elegancia concentrada. Sin embargo, los elementos más reveladores quizá sean las tensiones entre el parecido histórico visible y los sistemas contemporáneos invisibles. Protección contra incendios, tecnología escénica, servicios y estructura pertenecen al edificio nuevo. La experiencia plantea, por tanto, una pregunta productiva: ¿la autenticidad reside en el material original, la forma espacial, el oficio, la memoria, el uso o una combinación de todo ello?

La Fenice se comprende mejor mediante la función y la historia. Una visita diurna muestra detalles decorativos que desaparecen bajo la iluminación teatral, mientras que una ópera o un concierto devuelve la sala a su propósito. El entorno junto al canal añade otra dimensión. En lugar de ser un monumento aislado, el teatro está tejido entre callejones y canales, y la llegada resulta inequívocamente veneciana. Sus sucesivos renacimientos conmueven no porque el desastre garantizara mejoras, sino porque artistas, trabajadores y público insistieron en la continuidad de la institución.

El solar de Covent Garden alberga un teatro desde 1732, y el edificio actual es el tercero después de que los anteriores se perdieran por incendios. Inaugurado en 1858, su fachada neoclásica y su auditorio ricamente decorado conservan el lenguaje de un teatro decimonónico. Sin embargo, la identidad institucional conocida hoy se configuró después de la Segunda Guerra Mundial. El edificio había servido como salón de baile durante el conflicto antes de convertirse en sede permanente de las compañías llamadas actualmente The Royal Opera y The Royal Ballet.

Ese acuerdo de posguerra cambió el significado de la sala. En vez de depender de breves temporadas de compañías visitantes, los conjuntos residentes podían desarrollar plantillas, conocimiento productivo y un repertorio sostenido. La subvención pública respaldaba la idea de que ópera y ballet eran responsabilidades culturales nacionales, aunque continuaron los debates sobre coste, acceso y representación. La historia de Covent Garden no pertenece solo a grandes cantantes y bailarines, sino también a las cambiantes discusiones británicas sobre quién financia las artes y a quién deben servir.

Una gran remodelación terminada alrededor del cambio de milenio amplió bastidores y zonas públicas e incorporó el vecino Floral Hall. El proyecto permitió que el auditorio histórico siguiera siendo el centro emocional mientras se transformaban circulación, ensayos, técnica y servicios al público. Cambios más recientes han reforzado el acceso diurno y una relación más acogedora con la plaza y las calles próximas. El edificio funciona ahora como un complejo, no como una única sala ceremonial cerrada.

El visitante debería observar ese contraste. El auditorio principal conserva la intimidad y ornamentación de un teatro tradicional en herradura, mientras los vestíbulos y nuevos espacios públicos resultan más abiertos y contemporáneos. Una función muestra cómo utilizan el escenario las compañías residentes; una visita puede revelar la escala de los bastidores y las exigencias prácticas del repertorio. La singularidad de Covent Garden no es una antigüedad intacta, sino su capacidad para sumar nuevas capas institucionales sin abandonar la larga memoria teatral del lugar.