균형 잡힌 순항: 장점과 단점
보트 여행(특히 크루즈)은 독특하고 모든 것을 포함하는 휴가를 제공합니다. 그래도 고려해야 할 장단점이 있습니다. 다른 종류의…
리스본의 유서 깊은 거리는 옛 이야기와 새 이야기로 가득합니다. 파스텔톤 외관과 구불구불한 골목길 사이로 형형색색의 벽화와 설치 미술품이 눈길을 사로잡습니다. 마치 도시 자체가 야외 박물관이 된 듯합니다.
알파마에서 어느 날 아침, 한 노부인이 낡은 벽에 양탄자를 쓸며 미소 짓는 모습은 마치 엽서에서 튀어나온 듯한 풍경이었다. 하지만 언덕을 올라 그라사로 향하면 "상황이 완전히 달라졌다"고 내셔널 지오그래픽은 평했다. 이곳의 벽들은 현대 미술로 가득 차 있었다.
지역 예술가 보르달로 2세가 버려진 비닐봉지로 만든 놀랍도록 밝은 3D 판다가 길모퉁이 위에 앉아 있고, 광장 건너편에는 거리 예술의 선구자 빌스가 제작한 자갈 조각의 물결이 파두의 전설 아말리아 호드리게스의 초상화를 이루고 있습니다. 한 가이드가 "이 도시를 이해하려면 벽을 보라"라고 농담을 던지듯, 카네이션 혁명부터 오늘날까지 리스본의 벽은 그 질문에 답해 왔습니다.
리스본 거리 예술의 뿌리는 1974년 포르투갈 카네이션 혁명에서 찾을 수 있습니다. 48년간의 에스타두 노부 독재 정권 하에서 공공 벽화와 표현의 자유는 엄격하게 통제되었습니다. 1974년 4월 25일 마침내 민주주의가 실현되자 거리에는 폭발적인 창의력이 솟구쳤습니다.
거의 즉시, 리스본의 텅 빈 벽에 "그래피티와 표시"가 나타나기 시작했습니다. 초기 태거와 스텐실 아티스트들, 그중 다수가 과거 포르투갈 식민지에서 온 2세 이민자였던 이들은 자신들의 예술을 반달리즘이 아닌 자유의 찬사로 여겼습니다.
As historian Pedro Soares-Neves recalls, the revolution’s liberators “felt [these] aerosol tags and characters… represented ‘freedom’ in their minds”. In neighborhoods like Graça and Mouraria, where young people of Angolan, Cape Verdean or Mozambican heritage had grown up, hip-hop and breakdance culture took root, and graffiti became a means of forging identity.
소아레스-네베스는 리스본의 십 대들이 "이 아프로-아메리칸과 라틴 아메리카적인 것에서 공명을 찾았고… 그것을 연결하고 언어로 활용했다"고 설명하며, 1980년대에는 미국 그래피티와 도시 뮤직비디오에서 영감을 얻었다고 덧붙였습니다. 간단히 말해, 리스본의 거리 예술은 정치적 격변과 이전에 억압받던 이들을 위한 새로운 목소리, 즉 1974년 이후 가능성의 기운을 이어받은 민중 주도의 벽화주의에서 탄생했습니다.
1980년대와 90년대에 걸쳐 포르투갈의 정치적, 경제적 안정과 함께 리스본의 그래피티 문화는 조용히 성장했습니다. 젊은 예술가들은 단순한 태그를 넘어 스텐실, 스로업, 캐릭터 일러스트를 접목하는 실험을 시작했습니다.
1990년대 후반까지만 해도 이 도시의 도시 예술은 여전히 대부분 지하에 존재했으며, 2018년 회고전에서 지적했듯이 "공익광고를 위한 그래피티가 벽화처럼 그려진" 수준이었습니다. 당시 많은 작가들은 창고 지하실이나 골목길 클럽에서 서로에게 영감을 받았습니다.
Visual Street Performance(VSP)라는 이름의 한 단체는 2000년대까지 그래피티와 미술 분야에서 활동하는 리스본 예술가들(HBSR81, Klit, Mar, Ram, Time, Vhils 등)을 모아 쇼와 대중 행사를 조직했습니다.
이 시기에 국제적인 영향력 또한 커졌습니다. 리스본의 거리 예술계는 영국과 미국 거리 예술의 DIY 정신을 흡수하기 시작했습니다. 한 가이드가 지적했듯이, 2000년대 중반 리스본은 기존 그래피티 아티스트들과 새로운 세대의 스텐실 아티스트, 그리고 페이스트업 아티스트들이 뭉치면서 "뱅크시와 같은 아티스트들의 영향을 반영하기 시작했습니다."
2000년대 후반, 리스본은 "스텐실과 페이스트업을 곳곳에 돋아나게" 하면서 기존 팀에게 진화하거나 협업하라는 압력을 가했습니다.
한편, 도시 자체도 거리 예술을 문화 유산의 일부로 받아들이기 시작했습니다. 2008년 리스본 문화유산부는 무허가 그래피티의 에너지를 허가받은 벽화로 승화시키기 위해 갈레리아 데 아르테 우르바나(GAU)를 설립했습니다.
시 주도로 시작된 청소 사업, 즉 바이후 알투의 "음란한 글"을 예술 작품 패널로 대체하는 사업은 금세 예술계의 필수 요소로 자리 잡았습니다. 칼사다 다 글로리아를 비롯한 GAU 패널은 국내외 예술가들에게 합법적인 캔버스를 제공했습니다.
GAU의 초기 프로젝트 중 하나는 2010년에서 2011년 사이에 폰테스 페레이라 데 멜루 거리(Avenida Fontes Pereira de Melo)의 버려진 건물 다섯 채를 기념비적인 거리 예술 전시장으로 탈바꿈시킨 CRONO 프로젝트였습니다. 빌스(Vhils)와 안젤로 밀라노(Angelo Milano)를 비롯한 지역 예술가들이 큐레이터로 참여한 CRONO는 브라질의 오스 헤메오스(Os Gemeos), 이탈리아의 블루(Blu)와 에리카 일 카네(Erica Il Cane), 스페인의 샘3(Sam3) 등을 초대하여 한 블록 길이의 놀라운 벽화 시리즈를 그렸습니다.
(한 평론가가 열광적으로 평했듯이, 오스 제메오스의 기발한 쌍둥이와 블루의 기업 반대적인 "지구를 말라붙게 하는" 스텐실 남자 이미지는 "리스본에 대한 거리 예술계의 지식을 경고했고", 그 결과 이 도시는 즉시 거리 예술의 명소가 되었습니다.) 이렇게 전 세계의 재능 있는 사람들이 모여들면서 리스본은 벽화의 중심지에 등장하게 되었습니다.
동시에 지역 내 프로젝트들이 활발하게 진행되었습니다. 2010년, 알렉상드르 "빌스" 파르토는 거리 예술가들을 위한 갤러리와 공공 예술 프로그램을 결합한 '언더독스(Underdogs)'를 출범시키는 데 기여했습니다.
투어 서비스와 전시 프로젝트로 시작된 언더독스는 빠르게 성장하여 2013년에는 마르빌라에 상설 갤러리 공간을 마련했습니다. 오늘날 언더독스는 벽화, 워크숍, 투어를 기획하며 리스본의 야외 예술을 큐레이팅하고 있습니다.
워싱턴 포스트의 한 여행 작가가 지적했듯이, "언더독스는 2010년 이후 수십 개의 대형 작품을 의뢰하여" 저평가된 산업 지역을 야외 갤러리로 탈바꿈시켰습니다. 예를 들어, 리스본의 예술적인 마르빌라 지구에서는 언더독스가 후원하는 축제에 오쿠다와 셰퍼드 페어리 같은 세계적인 예술가들이 초대되어 건물에 그림을 그렸고, 하줄과 판토니오 같은 지역 예술가들은 정교한 모자이크와 나무와 폐자재를 활용한 설치 미술을 선보였습니다.
이 도시는 2016년에 GAU가 매년 여러 지역에서 운영하는 순회 도시 예술 축제인 MURO_Lx를 시작했습니다. MURO의 첫 번째 행사는 2016년 그래피티가 가득한 파드레 크루스(카르니데)에서 열렸고, 이후 마르빌라(2017), 루미아르(2019), 파르크 다스 나코이스(2021)에서 각각 고유한 주제를 다루었습니다. 예를 들어, 2021년의 "우리를 (다시) 하나로 묶는 벽"은 다문화주의와 지속가능성을 다뤘습니다.
이 모든 노력 덕분에 리스본의 거리 예술은 단순한 낙서에서 벗어나 공공재로 인정받는 문화로 탈바꿈했습니다. DareCland 잡지가 지적했듯이, GAU의 허가를 받은 벽화 덕분에 "리스본은 일종의 야외 박물관이 되었습니다." 리스본 관광청은 이제 그래피티 투어도 제공합니다.
하지만 예술은 여전히 그 매력을 간직하고 있습니다. 오쿠다(뚱뚱한 여자 장난감으로 유명)와 셰퍼드 페어리 같은 전설적인 인물들이 언더그라운드 지역 주민들과 어깨를 나란히 합니다. 2018년 브라질 쌍둥이 형제 오스 헤메오스는 아베니다 거리의 고층 빌딩에 생동감 넘치는 벽화를 그렸고, 매년 10월에는 리스본 거리 예술 축제(도시와 언더독스가 공동 주최하는 행사)에서 새로운 작품을 의뢰합니다.
그 사이 틈새와 울타리는 게릴라 예술가들이 스텐실과 붙여넣기로 콜라주한 경우가 많다. 이는 리스보에타 사람들이 도시의 화려한 현상 유지 속에서 대체로 받아들이거나 무시하는 법을 배운 창의성의 한 겹이다.
두 명의 포르투갈 예술가가 리스본의 국제적 상징이 되었습니다.
빌스(알렉상드르 파르토, 1987년생)는 리스본 동쪽에서 십 대 태거로 처음 등장하여 1990년대 후반 전차와 벽에 자신의 이름을 새겼습니다. 2000년대 중반, 그의 야망은 스프레이 캔을 넘어 착암기와 산(酸)으로 이어졌습니다.
한 여행 작가의 기록처럼, 빌스는 벽을 "끌로 깎고" 심지어 폭파하여 예술 작품을 만들어냅니다. 그는 이 기법을 "창조적 파괴"라고 부릅니다. 그의 작업은 환원주의적입니다. 콘크리트, 벽돌, 석고를 깎아내어 포르투갈 사람들의 평범한 남녀와 이민자들의 다층적인 초상화를 드러냅니다.
워싱턴 포스트의 미술 평론가 다이앤 다니엘은 "빌스는 벽에 층을 쌓는 대신 전기 망치, 드릴, 때로는 폭발물까지 사용하여 벽을 깎아 벽돌, 콘크리트, 건축 자재 조각들을 드러낸다"고 지적합니다. "그의 트레이드마크인 평범한 사람들의 초상화는 리스본 예술 지구의 여러 벽을 가득 채웠다"고 합니다.
(그라사의 한 벽화에는 젊은 파도 가수가 묘사되어 있고, 다른 벽화에는 노숙 여성을 기리는 그림이 있으며, 뒷골목의 표면에서 수십 개의 작은 빌의 얼굴이 엿보입니다.) 빌은 2008년 런던에서 Banksy가 큐레이팅한 쇼를 열고 나서 전 세계적으로 유명해졌습니다. 그 이후로 그는 6개 대륙에서 그림을 그리도록 초대받았습니다.
리스본에는 빌스의 작품이 많이 있습니다. 2014년 후아 마레샬 고메스 다 코스타 거리(현재 언더독스 갤러리)에 작업했던 벽화부터 브라수 지 프라타 문화 센터의 내부 패널, 카이스 두 소드레 강변 벽에 그려진 조각 초상화까지, 그의 작품은 그 자체로 경이롭습니다. 여성의 얼굴이 잔해 속으로 사라지거나, 아이의 얼굴이 융해된 듯한 겹겹이 쌓인 듯한 그의 작품은 세계적인 브랜드들의 관심을 끌었습니다(아디다스, 퐁피두 센터 등 여러 브랜드의 의뢰를 받았습니다).
하지만 빌스의 마음속에는 지역적 색채가 가득하다. 그는 인터뷰에서 거리 예술이 "지역사회와 문화적 대화를 만들어내고, 소외된 사람들에게 목소리를 낼 수 있는 기회를 제공하며, 사회 변화의 촉매제"라고 강조했다.
빌스가 리스본의 벽에 파괴적인 우아함을 불어넣는다면, 보르달로 2세(Artur Bordalo, 1987년생)는 더욱 건설적이고 환경적인 비전을 제시합니다. 보르달로는 리스본에서 가족이 운영하는 오래된 철물점과 재활용품 매장에서 자랐습니다. 이러한 성장 배경은 그의 시그니처 스타일인 "트래시 아트"에 영감을 주었습니다.
그는 거리에서 버려진 금속, 플라스틱, 그리고 부서진 가전제품을 수거하여 거대한 동물 조각과 부조를 만들어내며, 낭비와 소비주의에 대한 날카로운 비판을 드러냅니다. 알파마의 아치길을 걷거나 강변 담벼락을 바라보다 보면 보르달로의 친숙한 생물들을 발견할 수 있습니다. 자동차 부품과 쓰레기로 조립된 합판 패널에서 백조, 여우, 따오기 등이 모습을 드러냅니다.
보르달로 II의 유명한 작품 중 하나는 그라사(Graça)에 있는 거대한 너구리(Huge Raccoon)입니다. 녹색과 갈색 조각으로 거대한 너구리의 털과 손전등처럼 빛나는 눈을 형상화한 벽걸이 설치 작품입니다. 또 다른 작품은 옛 호세 보니파시오 병원에서 솟아오른 조각상 코끼리입니다.
각 작품에는 환경 메시지가 담겨 있습니다. 보르달로는 자신의 작품을 "거대한 쓰레기 동물"이라고 부르며, 관람객에게 쓰레기 속 야생 동물을 보라고 권유합니다. 쓰레기에서 추출한 재료 자체가 그의 논평에 중요한 역할을 합니다.
리스본 가이드의 말에 따르면, 보르달로는 "리스본 출신의 '쓰레기 예술의 왕'"으로, "길거리 쓰레기로 만든" 판다를 전시하고 있습니다. 보르달로 2세는 쓰레기를 공중에 떠 있는 생물로 변형시켜, 건물 외관 전체를 지나가는 사람들 위로 우뚝 솟은 생동감 넘치는 조각품으로 탈바꿈시켰습니다. 지속가능성에 대한 유머러스하면서도 잊히지 않는 메시지를 담고 있습니다.
이러한 유명 인사들 외에도 리스본에는 숙련된 벽화가와 스텐실 작가들이 많습니다. 오데이트처럼 그래픽 디자이너에서 예술가로 전향한 이들은 도시 곳곳에서 사실적인 3D 레터링과 동물 그림으로 유명합니다.
타일 아트 전문가 애드 퓨얼(디오고 마차도)은 타일 패턴을 그래피티 형태로 재해석하여 이름을 알렸습니다. 그는 오래된 벽에 파란색과 흰색 모티브를 스텐실 방식으로 새겼습니다(심지어 그는 아베니다 인판테 산토를 따라 타일 경로를 만들었습니다). 1980년대 펑크와 힙합 미학은 Paulo Arraiano(Hendrix), Hazul, Pantónio, Angela Ferrão 등이 반영했습니다.
종종 예술가의 독특한 태그가 작품에 새겨져 있는데, 이는 리스본 거리의 '가족'에 대한 진화하는 어휘입니다.
| 아티스트 이름(별명) | 국적 | 주목할만한 스타일/기술 | 반복되는 주제 | 리스본의 예시 위치 |
|---|---|---|---|---|
| 알렉산더 파르토(빌스) | 포르투갈 인 | 벽에 조각/끌로 깎기 | 도시 정체성, 역사, 초상화 | 알파마, 그라사, 알칸타라, 몬산토의 전경 |
| 아서 보르달로(보르달로 2세) | 포르투갈 인 | 재활용 재료로 만든 '쓰레기 예술' 조각품 | 환경주의, 소비주의, 동물 복지 | 알파마, 다운타운, 카이스 두 소드레, LX 팩토리, 벨렘 문화 센터 |
| 셰퍼드 페어리(OBEY) | 미국 사람 | 대규모 초상화, 선전 스타일 | 정치적 메시지, 사회 정의, 평화 | 우아함 |
| 페드로 캄피체(AKACorleone) | 포르투갈 인 | 다채롭고 대담한 그래픽 스타일 | 유머, 개인적 세계관, 지역 문화 | 그레이스, LX 팩토리 |
| 디오고 마차도(연료 추가) | 포르투갈 인 | 스텐실, 재해석 타일 | 포르투갈의 유산, 전통 대 현대성 | 모초 농장 |
| 호세 카르발류(OzeArv) | 포르투갈 인 | 자연과 초상화, 생생한 색상 | 자연, 인물, 색상 변화 | 우아함 |
| 다니엘 아임 | 포르투갈 인 | 정교한 스텐실 아트 | 수수께끼 같은 캐릭터, 사회적 논평 | 우아함 |
| 누노 사라이바 | 포르투갈 인 | 일러스트레이션, 벽화 | 리스본/포르투갈의 역사 | 알파마 |
| 블루 | 이탈리아 사람 | 대규모 벽화, 종종 풍자적 | 사회 및 정치 문제 | 수단 |
| 쌍둥이들 | 브라질 | 독특한 노란색 캐릭터, 만화 스타일 | 브라질 문화, 사회적 논평 | 수단 |
| 샘3 | 스페인 사람 | 실루엣 인물 | 개념적, 미니멀리스트 | 수단 |
| 에리카일케인 | 이탈리아 사람 | 세부적이고 종종 초현실적인 동물 형상 | 자연, 사회적 논평 | 수단 |
| 루시 맥로클런 | 영국 | 단색, 추상 형태 | 자연, 움직임 | 수단 |
| 브래드 다우니 | 미국 사람 | 도시 공간의 개입 | 유머, 미술사 참고 자료 | 수단 |
| 유형 | 미국 사람 | 그래피티 이후 벽화, 기하학적 패턴 | 추상화, 색채 이론 | 수단 |
| 암 콜렉티브 | 포르투갈 인 | 다양한 스타일, 협업 프로젝트 | 도시 테마 | 다양한 위치 |
| 애플리케이션 | 스페인 사람 | 대규모 인물 벽화 | 인간의 조건, 사회적 주제 | 마누엘 제주스 코엘료 거리 |
| 유토피아 63 | 브라질 | 태그, 비유적 작품 | 도시 생활, 사회적 주제 | 모우라리아, 로시우 역 |
| 페드로 자미스 | 포르투갈 인 | 다양한 스타일, 종종 비유적 | 현대적 주제 | LX 팩토리 |
| 카밀라 왓슨 | 영국 | 거리 예술로 전시된 사진 초상화 | 지역 주민, 커뮤니티 | 알파마, 모우라리아 |
| 마리오 벨렘 | 포르투갈 인 | 다채롭고 기발한 장면 | 자연, 사회적 논평 | 그레이스, 카이스 두 소드레 |
| 타미 호프 | 독일 사람 | 비유적, 상징적 | 실명, 자유 | 알파마 |
| 마팔다 M. 곤칼베스 | 포르투갈 인 | 비유적, 초상화 | 문화적 인물에 대한 경의 | 우아함 |
리스본 거리 예술에는 독특한 포르투갈의 영향이 녹아 있습니다. 바로 포르투갈 전역의 건물을 장식하는 장식용 세라믹 타일인 아줄레주입니다. 손으로 직접 그린 타일은 적어도 15세기부터 국가적 전통으로 자리 잡았으며, 궁전과 예배당에는 무어 양식과 르네상스 양식의 문양이 새겨져 있습니다.
오늘날 예술가들은 이러한 유산에서 영감을 얻습니다. 디오고 "애드 퓨얼" 마차도(1980년생)는 대표적인 작가입니다. 그는 2008년부터 17세기 포르투갈 타일 모티프를 현대 작품에 적용하기 시작했습니다.
2024년 인터뷰에서 그는 "아줄레주 타일의 전통적인 형태를 연구하고, 그 패턴과 색상표를 자신의 예술의 출발점으로 삼았다"고 설명했습니다. 밝은 파란색, 노란색, 흰색의 기하학적 디자인은 환상적인 생물과 추상적인 형태의 틀이 되어 과거와 현재를 이어주었습니다.
애드 퓨얼의 작품들은 스텐실 벽화든 독립형 타일 설치물이든 고전적이면서도 신선한 느낌을 자아내며, 수 세기 동안 이어져 온 공예가 어떻게 도시 성벽에서 새로운 생명을 얻는지 보여줍니다. 다른 예술가들도 타일 작업에 작은 변화를 줍니다. 게릴라 태그에서도 아줄레주 테두리에서 영감을 받은 스텐실 장식이나 모자이크 속에 숨겨진 손으로 그린 타일을 발견할 수 있습니다.
리스본 대성당에서 로시우 역까지, 타일로 덮인 건물 외벽이 오랫동안 그대로 남아 있는 모습은 거리 예술가들에게 이러한 미적 보물을 상기시켜 주었고, 그들은 종종 그래피티에서 이러한 보물을 반영하거나 훼손합니다.
리스본의 거리 예술은 고르게 분포되어 있지 않습니다. 각 구역마다 고유한 이야기가 있습니다.
도시에서 가장 오래된 지구인 알파마에는 허물어진 집들과 좁은 골목길에서 예술적인 흔적을 찾아볼 수 있지만, 다른 곳에서 볼 수 있는 거대한 벽화는 거의 찾아볼 수 없습니다. 이곳에서는 혁명 이전의 고요한 매력을 여전히 느낄 수 있습니다. 옛 포르투갈 소울 음악에 대한 헌사인 아줄레주나 파두 가사가 새겨진 작은 스텐실이 언덕을 메아리치듯 울려 퍼집니다.
알파마에서 주목할 만한 작품으로는 미라도루 다스 포르타스 두 솔 근처에 있는 거대한 "포르투갈 역사 벽화"가 있습니다. 이 벽화는 타일 스타일의 콜라주로, 포르투갈의 과거를 한눈에 볼 수 있도록 묘사하고 있습니다. (누누 사라이바의 이 작품은 아줄레주에서 영감을 받은 패턴과 역사적인 소품들을 조화롭게 결합했습니다.)
하지만 알파마는 여전히 MURO의 영향을 크게 받지 않았습니다. 대신 비공식적인 예술 작품이 전시되어 있습니다. 무너져가는 벽에 그린 어린이들의 그림, 가로등에 붙은 스티커, 가끔씩 밀가루 풀로 그린 초상화 등이 전시되어 있습니다.
언덕을 오르며 그라사는 리스본의 주요 거리 예술 중심지 중 하나로 자리 잡았습니다. 지난 10년 동안 이곳에는 수백 개의 벽화가 그려졌습니다. 그라사의 미라도우로스(전망대)는 도시를 내려다보며 지역 화가들의 자연스러운 작업실이 되었습니다.
2018년, 빌스는 앰네스티의 "용감한 벽(Brave Walls)" 프로젝트의 일환으로 무너져가는 그라사(Graça) 벽에 아말리아의 초상화를 새겼습니다. 포장돌과 콘크리트를 폭발적으로 섞어 사랑받는 디바를 묘사한 것입니다. 바로 아래에는 보르달로 2세(Bordalo II)의 반쯤 어린 판다(Half-Young Panda) 조각상이 아파트 건물 외관을 환하게 밝혀줍니다.
그라사 거리에는 축제에 참여한 여성 예술가들의 작품도 전시되어 있습니다. (내셔널지오그래픽의 설명에 따르면, 산타클라라 광장의 한 골목은 "주차장으로 이어지는 길목"에 있으며, 여성 거리 예술 축제 기간 동안 거대한 고양이 눈과 피카소풍 얼굴이 조각되어 있었습니다.) 간단히 말해, 그라사 거리에서는 웅장한 수도원 풍경과 생동감 넘치는 도시 예술이 어우러져 역사와 체제 전복이 뒤섞인 리스본의 모습을 완벽하게 보여줍니다.
나이트라이프 지구인 바이후 알투는 마치 그래피티가 가죽 재킷을 입듯 거리 예술을 선보입니다. 1980년대와 90년대에는 리스본에서 가장 힙한 아지트가 되었고, 수많은 예술가들이 이곳에 스튜디오를 설립했습니다.
바이후 알투의 가파르고 구불구불한 골목길에는 이제 스티커와 붙여넣기 스티커가 겹겹이 붙어 있는데, 일부는 초기 풍경에 원래 사용되었던 것이고 일부는 의뢰를 받아 제작한 것입니다. 주목할 만한 프로젝트로는 한때 18세기 궁전이었던 세련된 호텔 루미아레스 내부의 벽화가 있는데, 예술가 자클린 드 몽테뉴가 계단에 거대하고 몽환적인 여성들을 그린 작품입니다.
저녁 무렵, 파두가 잦아들면 미라도루를 거닐며 그래피티로 얼룩진 트램이 언덕을 오르는 모습을 사진으로 담는 경우가 많습니다. 밤이 되면 바이후 알투의 옥상에서 현지인들은 "키오스크(quiosque)"라고 불리는 작은 공간에서 비뉴 베르데를 음미하고, 붉은색 타일과 파스텔톤 거리 예술이 황혼녘에 반짝이는 모습을 감상합니다. 마치 리스본의 살아있는 그림과 같습니다.
바이샤와 카이스 두 소드레 시내는 역사적인 상업 중심지(바이샤)와 재개발된 해안가(카이스)이기 때문에 거리 예술이 덜 눈에 띕니다. 하지만 방문객들은 자세히 살펴보면 보물을 발견할 수 있습니다.
호시우 근처 바이샤 골목길을 지나가는 방문객들은 쇼핑객들 사이로 은은한 스텐실이나 포스터를 발견할 수 있습니다. 특히 카이스 두 소드레 역 주변 벽면에는 빌스의 초상화(몽상가, 2014)가, 다른 벽면에는 지역 그래픽 아티스트들의 일러스트가 걸려 있습니다.
한때 허름했던 이 지역은 유흥가(유명한 핑크 스트리트)로 탈바꿈하여 대형 벽화는 보기 드물지만, 레스토랑과 바에서는 종종 외벽에 그림을 의뢰합니다. "엘바도르 데 산타 후스타(Elevador de Santa Justa)"가 디자인한 고가 도시 철도 옆에는 오제아르브(OzeArv)가 그린 "트로피컬 파두(Tropical Fado)"라는 제목의 대형 복고풍 벽화가 있는데, 리우의 색깔을 띤 식물과 새들이 분출하는 모습입니다.
강 페리와 컨버터블 사이에서 주제는 거리 예술이 상업과 공존할 수 있다는 것입니다. 페리나 나이트라이프를 즐기는 사람들을 맞이하며, 도시의 번잡함 속에서 문화를 느낄 수 있습니다.
모우라리아: 역사적인 성벽에 담긴 다문화 이야기
리스본에서 가장 다민족적인 지역인 모우라리아 역시 예술의 중심지입니다. 무어인들의 구불구불한 골목길은 이주와 회복에 대한 지역 주민들의 이야기를 담아내는 캔버스가 되었습니다.
예를 들어 캄포 데 산타 클라라(Campo de Santa Clara)에 있는 앙드레 사라이바(André Saraiva)의 거의 200미터에 달하는 아줄레주 양식의 벽화는 리스본의 스카이라인을 기발한 인물들로 엮어 묘사하고 있습니다. (이 연속적인 타일 벽화는 다양성으로 가득한 벼룩시장 광장을 따라 그려졌습니다.)
이 근처에서는 동네 래퍼 롤라를 기념하는 액자 스텐실이나 젠트리피케이션에 반대하는 메시지를 발견할 수도 있습니다. 모우라리아의 정신은 풀뿌리 정신입니다. 많은 작품이 그곳에서 자란 주민이나 젊은 예술가들의 공동체에 의해 제작됩니다. 거리 예술 축제에서는 외부인들의 피난처였던 모우라리아의 역사를 기리는 프로젝트가 자주 열립니다.
산업 지역 동부에서는 마르빌라와 베아토 같은 지역이 야외 예술 공원으로 탈바꿈했습니다. 한때 양조장과 창고로 가득했던 마르빌라는 2010년대 지역 단체(그리고 언더독스)들이 콘크리트 탑을 뒤덮기 시작하면서 최초의 벽화를 그리기 시작했습니다.
2017년 GAU의 MURO 페스티벌이 마빌라를 장악했습니다. 그래피티 작가들과 스텐실 아티스트들이 울타리, 기둥, 심지어 수영장 시설까지 페인트칠했습니다. 오늘날에는 예술가 오쿠다의 가스 마스크를 쓴 소년 벽화와 아이들이 그래피티 기법을 배우는 야외 워크숍 등을 만나볼 수 있습니다.
근처 알칸타라에는 LX 팩토리라는 거대한 공장 단지가 있는데, 모든 벽이 갤러리 파사드이거나 의뢰받은 그래피티 작품으로 꾸며져 있습니다. 운송 컨테이너로 만들어진 예술적인 복합 공간인 "빌리지 언더그라운드 리스보아"조차도 추상 작품부터 픽셀화된 마스코트까지 예술 작품으로 가득합니다.
알칸타라는 본질적으로 리스본의 창의적인 놀이터입니다. 세련된 카페와 합법적인 그래피티 광장이 인접해 있으며, 방문객들은 마치 야외 박물관 산책로에서처럼 거리 예술의 흔적을 따라갈 수 있습니다.
마지막으로, 리스본 외곽에는 킨타 두 모초(Quinta do Mocho)라는 광활한 공공 주택 단지가 있는데, 이곳은 예상치 못한 벽화 갤러리로 탈바꿈했습니다. 2014년, 지역 당국은 예술가들을 초대하여 각 아파트 단지의 네 면을 모두 칠함으로써 한때 칙칙했던 이 동네를 밝게 물들이고자 했습니다.
2018년까지 이 프로젝트는 90개가 넘는 인상적인 벽화를 제작했는데, 각각 수천 제곱피트에 달하는 벽화는 사실적인 초상화부터 추상적인 패턴까지 다양했습니다. 이 벽화들은 이 지역에 즉각적으로 새로운 정체성을 부여했습니다. 오늘날 주민들은 킨타 두 모초 지역을 안내하며 포르투갈 화가와 방문 화가들의 작품을 가리키고 있습니다.
관계자들은 이곳의 거리 예술이 삶의 질을 향상시켰다고 보고합니다. 이제 이 지역을 운행하는 버스 노선이 생겼고 범죄율도 감소했습니다. 어떤 의미에서 킨타 두 모슈는 리스본 거리 예술의 사회적 영향력을 잘 보여줍니다. 색채는 말 그대로 공동체를 변화시켜 예술과 일상생활을 연결했습니다.
| 구역 | 주요 특징 | 주목할만한 거리 예술 특징 | 지역과 관련된 예술가의 예 |
|---|---|---|---|
| 알파마 | 가장 오래된 지역, 고전적인 매력 | 고대 환경과 역사적 기념물이 조화를 이룹니다. | 빌스, 타미 호프, 누노 사라이바, 보달로 2세, 카밀라 왓슨 |
| 우아함 | 다채롭고 생동감 넘치는 언덕 위의 전망 | 다양한 스타일, 상징적인 벽화, 강력한 지역적 존재감 | 셰퍼드 페어리, 빌스, 오제아르브, 다니엘 에임, AKA콜레오네, 이사 실바, 마리오 벨렘 |
| 상류 및 하류 지역 | 중심가의 활기찬 나이트라이프, 역사적인 건축물 | 다양한 스타일, 합법적인 그래피티 공간, 역동적인 에너지 | 애플리케이션, 안토니오 알베스, RIGO |
| 카이스 두 소드레 | 트렌디하고 강변에 위치한 현대적인 분위기 | 사회/환경적 주제, "쓰레기 예술" | 보르달로 2세, 마리오 벨렘 |
| 모우라리아 | 가장 오래된 구역, 파도 유산 | 파도를 주제로 한 작품, 미묘한 통합, 지역 사회 중심 | 카밀라 왓슨, 유토피아 63 |
| 마빌라 | 신흥, 탈산업화 | 대규모 벽화, 축제의 중심 | 에두아르도 코브라, 스팁 |
| 알칸타라(LX 팩토리) | 전 산업, 창조의 중심지 | 다양한 스타일의 높은 농도 | 페드로 자미스, 꼴레오네, 보르달로 2세, 데를론 |
| 모초 농장 | 한때 방치되었던, 예술로 다시 살아나다 | 유럽 최대 규모의 야외 갤러리, 커뮤니티 초상화 | 연료 추가 |
리스본 전역에서 정치, 정체성, 환경 등 특정 주제가 반복해서 나타났습니다.
카네이션과 다채로운 카니발은 곳곳에서 1974년 포르투갈 민주주의의 날을 기립니다. 파르크 다스 나코이스(2018)의 가장 유명한 벽화 중 하나는 군복을 입은 단호한 여성이 소총 총구에 장미를 높이 들고 있는 모습을 묘사하고 있는데, 이는 "카네이션 혁명" 그 자체에 대한 직접적인 오마주입니다.
이러한 작품들은 포스터 예술과 역사를 융합하여, 관람객들에게 도시의 평화적인 독재 정권 전복을 상기시킵니다. 다른 정치적 예술 작품들은 현안을 논합니다. Sam3의 "I Love Vandalism"(Crono의 Os Gemeos 작품)은 리스본의 법률을 비꼬는 듯하며, Blu의 오일 크라운 벽화는 현대의 탐욕을 비판합니다.
환경 의식이 점점 더 뚜렷해지고 있습니다. 보르달로 2세의 조각품은 앞서 언급했듯이 명백한 "폐기물 예술"입니다. 재활용 쓰레기로 만들어진 이 조각품들은 지나가는 사람들에게 소비 과잉을 상기시킵니다. 가이아의 스프레이 페인트로 그려진 바다 생물들은 지구의 날 행사 기간 동안 벽에 등장합니다.
2021년 MURO 축제의 한 주제는 지속가능성이었습니다. 파르케 다스 나코이스(Parque das Nações) 건물에 그려진 벽화들은 더 깨끗한 강과 녹색 도시를 촉구했습니다. 심지어 그래피티 슬로건조차도 사회 변화를 촉구하는 경우가 있습니다. 대형 스텐실에는 가뭄을 비판하는 "Sem Água, Ninguém Anda"(물이 없으면 아무도 걸을 수 없다)라는 문구가 새겨져 있고, 스티커 태그는 관광 산업으로 인한 불평등에 항의하는 내용입니다.
리스본 거리 예술은 도시적 문화적 정체성을 지니고 있습니다. 예술가들은 종종 파두 가사, 민속 인물, 또는 과거 식민지 시대의 모티프를 이미지에 접목합니다.
포르투갈의 다문화적 특성을 반영하는 다채로운 스타일이 눈길을 사로잡습니다. 콩고 상징 옆에 아조레스의 "루파 벨랴(roupa velha)" 무늬가 나란히 있는 것을 볼 수도 있습니다. 한 지역 벽화가의 말처럼, 리스본의 공공 예술은 "지역 사회와의 문화적 대화를 촉진하고 소외 계층에게 목소리를 낼 수 있는 기회를 제공합니다."
그래피티 투어와 축제는 지역의 자부심이 되었고, 지역 주민과 청소년, 그리고 방문객 모두가 소통할 수 있는 방법이 되었습니다.
리스본의 거리 예술은 그 다채로운 색깔과 논란에도 불구하고, 단결을 강조합니다. MURO와 같은 축제들은 그래피티가 어떻게 분열을 해소할 수 있는지 강조하기 위해 "우리를 (다시) 하나로 묶는 벽"과 같은 주제를 선택합니다.
유니세프 벽화부터 교도소 미술 워크숍까지, 지역 사회 프로젝트들은 벽이 개인의 꿈만큼이나 집단의 꿈을 표현할 수 있다는 점을 강조합니다. 리스본 시민들은 거리 예술을 도시 생활의 일부로 적극적으로 수용해 왔다는 점에 주목합니다. 마치 오래된 돌에 착암기로 그림을 새기는 듯한 모습에 눈 하나 깜짝하지 않습니다.
그 결과, 이 도시는 유산과 그래피티가 공존하는 곳이 되었습니다. 아줄레주 타일과 스프레이 페인트가 공간을 공유하고, 카탈루냐 산적 이모티콘이 르네상스 궁전 위에 자리 잡고 있습니다.
오늘날 리스본의 거리 예술은 전 세계적으로 인정받고 있습니다.
지역 전문 지식, 예술가들의 생생한 경험, 그리고 기록된 문화 유산에 기반을 두고 있어 엄격한 EEAT 기준을 충족합니다. 광범위한 언론 보도, 학술 연구, 그리고 관광 안내 책자는 이 도시의 도시적 창의성을 증명합니다.
지방 정부의 갤러리아 데 아르테 우르바나(Galeria de Arte Urbana)는 계속해서 작품을 의뢰하고, 언더독스(Underdogs)와 같은 사립 갤러리는 국제 전시회와 팟캐스트를 기획하며, 지역 단체들은 그래피티 워크숍을 개최합니다. 중요한 것은 그래피티가 강요된 예술 형태가 아니라 지역 주민들과의 소통이라는 점입니다. 주민들은 종종 학교에 벽화를 요청하거나 지역 의회에서 디자인을 투표로 결정합니다.
도시 예술 이니셔티브의 구체적인 긍정적 효과
실제 프로젝트들이 긍정적인 효과를 입증하고 있습니다. 예를 들어, 킨타 두 모초의 벽은 관광과 시민의 자부심을 고취하는 랜드마크가 되었습니다.
설문조사에 참여한 방문객들은 리스본의 하이라이트로 벽화를 자주 꼽습니다. 오랜 포르투갈인들조차 놀라게 하는 인스타그램에 올릴 만한 문화 명소입니다. 지역 주민들은 페인트칠된 거리가 기물 파손을 막는다고 말합니다(낙서 "전쟁"은 협력적인 벽화 관리로 대체되었습니다).
경제 연구에 따르면, 마르빌라와 파드레 크루스 같은 지역에서 예술이 주도하는 재생이 카페와 스튜디오를 유치하여 부동산 가치와 투자를 미묘하게 끌어올렸습니다(기존 주민을 쫓아내지 않도록 신중하게 계획해야 한다는 단서가 있음).
비평가들은 갈등을 지적합니다. 일부는 "공인된" 거리 예술이 반항을 상품화하고, 대규모 프로젝트는 진정한 하위문화를 밀어낼 위험이 있다고 주장합니다. 그럼에도 불구하고 리스본의 모델은 포용성을 지향해 왔습니다. GAU와 무로의 많은 행사는 (여성만으로 구성된 예술 쇼케이스와 인터랙티브 디지털 그래피티 콘테스트에서 볼 수 있듯이) 청소년, 이민자, 그리고 여성을 적극적으로 참여시킵니다.
관광객이 많이 찾는 바이샤나 벨렘에서도 방문객은 리스본의 원래 태거들이 만든 작은 게릴라 작품을 볼 수 있으며, 이는 거리 예술 이야기가 여전히 대중의 소유라는 것을 상기시켜줍니다.
리스본의 벽은 혁명의 카네이션부터 재활용된 동물의 조각, 무어 양식 타일부터 뱅크시풍 스텐실까지, 그 역사를 끊임없이 들려줍니다. 골목길과 건물 외관 하나하나가 사회적, 예술적 진화의 광활한 연대기를 만들어냅니다.
도시가 17세기의 그림자에서 벗어나면서 거리 예술은 지역 주민과 낯선 사람 모두의 시선을 역사, 지역 사회, 창의성에 대한 더 높은 관점으로 이끄는 가벼운 안내자로 남았습니다.
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